Psychologie phénoménologique

«Ni se qualifier», dit Heidegger (ou alors il aurait pu dire) dans "L'Origine de l'œuvre d'art." Plutôt dans le but d'être une «œuvre d'art», une chose doit avoir fracassantes, la culture qui transforme importance. Seuls quelques candidats répondent à ce critère - comme le Temple a fait pour les Grecs archaïques. Il a défini leur monde et créé un espace dans lequel dévoilement des choses et des rôles est devenu significatif.

Je suis venu à croire que le compte de Heidegger qui manque dans (au moins) trois points importants. Premièrement, nous voulons désigner beaucoup de choses comme des «œuvres d'art», même si elles n'ont pas le paradigme constituant fonction Heidegger exige, afin de recevoir cette appellation. . Critère de Heidegger est donc trop restrictive Deuxièmement, Heidegger ne peut pas expliquer l'être de ce qu'on pourrait appeler «logiciels de divertissement des consommateurs» - des objets tels que livres, DVD et "dossiers" (une "vieille école" long terme je vais utiliser comme un proxy pour les CD, téléchargements et le streaming de médias numériques). Dans de nombreux cas, ce sont nos seuls moyens d'accès à l'oeuvre elle-même? - Mais quelle est la nature de leur relation au travail Troisièmement, Heidegger ne tient pas compte de l'être des outils de création - des objets tels que des guitares et synthétiseurs pour le musicien , le pinceau et la palette du peintre, etc je vais faire face à chacune de ces questions à tour de rôle.

Ontologie I. Heidegger Creative

Ontologie de Heidegger est malheureusement rare quand il s'agit de la créativité - ironique, parce que Heidegger lui-même est l'un des penseurs les plus créatifs du 20ème siècle. Pour Heidegger, il ya trois (et seulement trois) types de base des êtres - l'équipement (le «prêt-à-main"), les choses (le «présent à portée de main»), et le Dasein. Cela conduit à un problème, qui est, «[u] n œuvre d'art est comme une chose parce qu'elle est perceptible par les sens * * * [d'autre part, il] est clairement la différence des choses ... parce qu'il est produit par l'homme. * * * [U] n œuvre d'art est comme l'équipement car elle est faite par l'homme, mais il est différent de l'équipement, précisément parce [qu'elle n'est pas] complètement subordonnée à la fonction ", Lawry 186. Dans "L'Origine de l'œuvre d'art», Heidegger donc créé une autre catégorie de l'être, qui est, le «œuvre d'art." "Il a une relation privilégiée à l'Être, même seulement à celui qui est accordé au Dasein», Mansbach 163.

Pour que quelque chose d'être une œuvre d'art, il doit être capable de créer, ou l'invocation, un monde. «Le monde dans le sens où Heidegger utilise le mot quand il appelle l'état fondamental de l'homme d'être« être-au-monde-"n'est pas notre environnement, ni la somme totale des objets dans la réalité extérieure. * * * Ce royaume de mes possibilités est un royaume unifié d'être interdépendants, c'est à dire toutes les choses de la réalité existante qui me sont connus apparaissent ici comme ce qu'ils sont », Jaeger 62.

Pour une peinture, cela signifie situant ce qui est représenté dans un contexte où il co-existe avec tous les accoutrements d'autres monde. Heidegger considère la représentation de Van Gogh d'une paire de chaussures de paysan. «L'œuvre d'art nous le faire savoir quelles chaussures sont dans la vérité», Heidegger (1971) 35, italiques ajoutées. Par «en vérité», Heidegger entend, la peinture révèle la façon dont les chaussures »sont,« la nature de leur être. Elle constitue, ou comprend, dans leur monde, ou le monde dans lequel ils apparaissent. «La peinture de Van Gogh« parlé »et« divulgué »ce que les chaussures de paysan sont vraiment, dévoilant la vérité de chaussures de paysan« l'être au moyen de l'œuvre d'art », Stulberg 260.

Comme corollaire à cela, il doit arriver un moment où nous ne pouvons plus imaginer ou comprendre ce monde, alors le «travail» n'est plus une «œuvre d'art." Dans une sorte de jeu-sur-mots, le travail de l'art n'est plus "fonctionne". Le temple grec, par exemple, a cessé d'être une œuvre d'art après les Grecs archaïques ne croyait plus dans les dieux qui l'habitaient. Il est devenu tout simplement une expérience esthétique - quelque chose qui nous plaît, pour une raison quelconque. "[A] rtworks appartiennent à un monde spécifique qui aident trouvé, mais devenu, avec le passage à emporter de ce monde, objets d'art simplement sans monde», Bruin 56. Réciproquement, pour le Dasein, «La compensation dont l'œuvre d'art crée rend existence authentique possible», Mansbach 167.

Mais Heidegger ne s'arrête pas là. Il relègue tous les non-"véridique" l'art, dans ce sens spécialisé de «créer un monde», à la même catégorie - phénomène purement esthétique, les oeuvres qui font appel aux sens. "Esthétique ... prend son domaine comme le royaume de sensation ou un sentiment et se borne à examiner la manière dont de tels sentiments sont véhiculés à travers la médiation de l'objet. * * * [Depuis] l'objet en soi demeure voilée de la cognition humaine, l'esthétique se transforme naturellement totalement à un examen de la réserve vivent. Dans le processus, l'œuvre d'art elle-même est rendu superflu », Palmer 400, italiques ajoutées.

II. Il doit y avoir plus à ce que cet élément!

Je pense que la définition de Heidegger est beaucoup trop restrictive, car elle ne tient pas compte des choses que tout le monde appelle «œuvres d'art» qui, néanmoins, ne sont pas «culture-établir» ou «culture-transformer», au sens de Heidegger spécialisés. Deux exemples que je considère sont la peinture de Rembrandt La Ronde de Nuit (1642) et les Beatles "Sgt enregistrer. Pepper Lonely Hearts Club Band (1967).

Sur l'affichage de premier plan dans le Rijksmuseum à Amsterdam, La Ronde de Nuit est l'un des plus célèbres tableaux de Rembrandt. Il dépeint un groupe de bourgeois hollandais, dans diverses poses héroï-comique, comme ils sont censés la tête hors de la garde des remparts de la ville. Connu pour son jeu subtil d'ombre et de lumière, il est «un cas évident d'une œuvre d'art», Ziff 58.

Je me suis tenu devant cette peinture, hypnotisé, à regarder ce sous des angles différents pour une demi-journée, en regardant les volent la lumière à travers la toile, en regardant les gens regarder, les paroles d'une chanson interprétée par le groupe art-rock Roi Crimson répercutant dans ma tête:

Tant d'années nous avons souffert ici
Notre pays ravagé par des guerres espagnoles
Maintenant vient une chance de nous retrouver
Et règne paisible, derrière nos portes
Nous pensons à la postérité à nouveau
Et l'orgueil des hommes peu
Les bourgeois bon et vrai
Toujours vivante, par la main des peintres
Je vous demande à tous de comprendre,

Palmer-James, R (1973). Les personnages représentés dans le sourire de peinture à moi, séduisante. L'un d'eux attend. "Venez nous rejoindre», dit-il. De cette façon, les frontières entre l'art et l'observateur se dissoudre.

Magnifiques paroles de M. Palmer-James résumer de façon concise l'ensemble des exigences d'un travail de culture-définition. N'ont-ils pas saisir le «sens» du travail, surtout pour ceux intensément acclimatés à la fois l'être de la peinture, et l'être de la chanson?

Pourtant, la communauté de Rembrandt du 17ème siècle a été mécènes transitoire. Il dispersés après la mort de Rembrandt en 1669. Par ailleurs, Night Watch n'a pas été particulièrement populaires. "[M] toute la guilde des archers qui ont donné de Rembrandt de la Commission ne serait pas payer leur part parce que leurs visages ne sont pas vus distinctement. * * * [Il] a été le tout dernier Commission que sur les guildes étaient prêts à donner de l'artiste, parce qu'il ne voulait pas faire leurs portraits beau ou belle apparence au détriment de l'ensemble du tableau », http://www.historyofholland .com / Rembrandt-et-le-nightwatch.html (2007).

Après Rembrandt a peint », il a lentement tombé en disgrâce publique * * * [Une des raisons de ce déclin] est un changement dans les goûts néerlandais dans l'art. Pendant les années 1640 les citoyens fortunés, peut-être de plus en plus un peu mous dans leur sécurité, a développé un penchant pour showiness et d'élégance. Ils ont commencé à préférer les couleurs vives et de manière gracieuse qui avait été initié par des peintres tels que la mode flamande portraitiste Anthony van Dyck - qui, pourtant bien un artiste, manquait de profondeur de Rembrandt. L'utilisation du clair-obscur de Rembrandt entre eux mécontents aussi, et ils se détournèrent d'un artiste qui semblait «sombre» et - ce qui était peut-être pire - a exigé qu'ils consacrent une réflexion sur ce qu'ils cherchaient à "http://www.rembrandtpainting.net / rembrandt's_night_watch. htm (2007). Il serait juste de dire que ce n'est pas avant l'invention de la lithographie modernes que la peinture est devenue exposée à un plus large public.

Night Watch, alors, n'avait pas les attributs signification faisant don d'une œuvre heideggerienne de l'art. Pas même son propre peuple croit en elle, et jusqu'à l'avènement des temps modernes, il a été essentiellement inaccessible à quiconque n'est pas le visiter personnellement. C'est seulement la critique d'art et d'histoire de l'art ultérieures qui le reconnaissent comme le travail de paradigme définissant elle est, en vérité et en fait. Pour Heidegger, cependant, ce n'est pas suffisant. Plutôt, les gens dont l'univers est défini par la véritable œuvre d'art doit être contemporaines. Parce que s'ils ne croient pas en elle - quand les dieux quitter le temple - son «magique» des propriétés vaporiser. Heidegger ne permet pas la possibilité qu'une œuvre d'art transcende le temps, ou que son art les qualités ne se manifestent que dans le temps.

Regardons un autre exemple, qui est sergent. Pepper Lonely Hearts Club Band. J'avais environ en 1967, et a connu son phénomène, de première main. «Que ce soit les Beatles de son intention ou non, le Sgt. Pepper est venu à symboliser - immédiatement - les ambitions et les désirs et les peurs d'une génération. * * * Ce qui a commencé dans ces années comme un consensus dans le goût et le style - avec les Beatles en son centre - a transformé en un défi vision du monde. * * * Pas de travail unique n'avait encore incarné ces sens nouveau et audacieux de la communauté, les idées et l'art. Rien de ce qui est, jusqu'à Sgt. Pepper. * * * Sgt. Pepper touché un nerf dans la culture populaire comme rien auparavant, il était redéfinissent leur époque et la forme de casse-, et, intentionnellement ou non, l'a attrapé et enhardi l'humeur du moment. * * * Sgt. Poivre faisait partie d'un moment où le XXe siècle a été l'ouverture de révéler la potentialité au sein ... », Gilmore 74.

Forte acclamé, pour être sûr. Et il est toujours follement divertissant pour repérer Heidegger-type de langage («ouverture à révéler les potentialités au sein") à partir d'un écrivain qui ne montre aucun penchant vers heideggerianisme. Cependant, le fait de la question est, la communauté embrassant ce record ne fut pas toute la population du «monde» ou même «un monde». Plutôt, il a été «une génération», et un plus jeune, qui plus est - une sous-ensemble d'un groupe. Par ailleurs, ce sous-ensemble a été géographiquement orientée autour des grandes, urbaines, les médias centres, tels qu'ils étaient à l'époque - des endroits comme les villes universitaires, par exemple. Ainsi, nous sommes confrontés à un travail qui a été incontestablement influente, culture transformer, et même mondiale définir - mais seulement pour certaines personnes à certains endroits. Heidegger est ainsi disloquée, non seulement en référence au temps, mais aussi en ce qui concerne l'espace et le groupe (ou classe, ou en nature) d'adhésion.

J'ai ouvert mon exemplaire de la poésie, langage et pensée, ses pages aujourd'hui se séparer de leur liaison, pour découvrir (encore une fois, à ma grande consternation suite) que Heidegger ne considère pas l'un de ces d'être une œuvre d'art.

La solution à ce dilemme n'est pas difficile à réaliser. Heidegger n'a besoin que d'étendre les critères de ce qui compte comme une «œuvre d'art» pour accueillir des groupes plus petits, qui peuvent être dans des endroits différents, et existent à différents moments. Il ne s'agit pas de contraindre, et met en œuvre fait, les objectifs de Heidegger, qui sont: (a) de démontrer le lien entre «art» et «vérité», qui est l'art manière révèle le sens d'être, et (b) de faire la distinction entre l'art, dans ce sens, et d'autres types d'œuvres qui, tout nous avons encore peut "appeler" les arts, ne sont pas vraiment «art», correctement comprise.

Ce permet à son tour la possibilité de ce qu'on pourrait appeler une «ontique» compte de l'être de l'œuvre d'art. Par cela, je veux dire que l'œuvre d'art pourrait avoir un effet transformateur sur un individu, ou une petite communauté d'individus, par opposition à une culture toute entière. Et, cet individu ou une communauté ne doit pas être située simultanément avec le monde qui a initialement produit le travail.

III. Itérations d'une œuvre d'art

La plupart des gens, j'ose le dire, ont rencontré Night Watch en regardant une reproduction de celui-ci dans un livre, et maintenant, sans aucun doute, sur la ligne. En principe, ces reproductions varient énormément dans le calibre et la qualité. Imprimer des reproductions, par exemple, sont touchés non seulement par le type de papier utilisé, mais aussi par le type d'encre, et autres aléas du processus d'impression. Un regard rapide sur Google Images révèle que la densité de bits de Night Watch en ligne reproductions varie de plusieurs ordres de grandeur. Est-ce l'œuvre d'art que la peinture elle-même, suspendu dans le Rijksmuseum? Ou bien ces autres itérations, ou instanciations, ou inculcations de celui-ci - tout imparfaites qu'elles puissent être - ont encore le pouvoir, ni la capacité, pour inspirer le Dasein, et pour aider à définir son monde?

Cette question devient encore plus aigu lorsque l'on considère Sgt. Pepper. Pour le simple fait de la question est, il "est" non physique "travail", comme une peinture. Au contraire, le «travail» comprend lui-même les millions de copies qui sont vendues et distribuées.

Comme une personne qui a produit des enregistrements sonores, je peux vous dire que bien sûr il ya un enregistrement multi-piste master sonores, comprenant des performances individuelles et de groupe des membres de la bande, parfois rendus simultanément, parfois "overdubbed" dans un environnement non en temps réel processus. Ce maître multi-piste est ensuite mélangé vers le bas pour un master stéréo à deux voies. Des copies de celui-ci sont ensuite faites (et, parfois, des copies de copies, et ainsi de suite pour de nombreuses générations), à partir de laquelle les biens physiques - des dispositifs tels que porteuse saine disques, cassettes et CD - sont dupliqués.

Les bandes maîtresses à son tour peut être remixé ou reconstituées, entraînant potentiellement une révision drastique (et de la perception différente) de l'œuvre. Par exemple, j'ai récemment acheté un nouvel album de remixes intitulé Beatles Love. Une des pistes est un remix de l'album Sgt. Pepper, George Martin (les Beatles «producteur initial) et son fils, Giles Martin, ont savamment et minutieusement qu'il recréé à partir de l'original. chanson, "Une journée dans la vie."

Après avoir écouté une fois, j'ai immédiatement rejoué une douzaine de fois dans une rangée, j'ai été tellement frappé par son impact sonore pure. Je n'avais aucun contrôle sur ce faisant, il était que convaincant. Les différences entre le remix et l'original sont impressionnistes, comme comparer des vins, ou d'analyser les subtilités de l'audio pré-amplificateur tubes (c. Brimar Amperex c. Mullard c. Telefunken). Mon impression est la nouvelle version de «Une journée dans la vie» est plus viscéral, plus musclé. Du point de vue technologie audio, ce qui a été accompli par l'intermédiaire de séparation des pistes différentes (amélioré), la compression, égalisation, et (franchement) en éliminant un grand nombre d'informations sonores.

Le phénomène le plus intéressant, cependant, est la création de différences, pour commencer - au sein de la structure d'une chanson qui, auparavant, était statique. Quelle version "est" la chanson, ou mieux itère l'être de la chanson, quoi que cela signifie?

Remixes de cette sorte nonobstant, je peux vous assurer d'une certitude épistémologique que les «originaux» des enregistrements sonores maître de Sgt. Pepper sont conservés sous clé dans les Studios Abbey Road à Londres, en Angleterre, où l'album a été enregistré. Je sais que cela personnellement parce que je suis passé par là, quand j'étais un dirigeant d'EMI Records. Les seules personnes qui ont «entendu» entre eux sont les artistes eux-mêmes, et un encadrement extrêmement faible de personnel technique.

En outre, les Beatles n'ont jamais effectué Sgt. Poivre en face d'un «vivre» l'auditoire. [Bien évidemment la bande de Trick cher a récemment fait. Non seulement ont-ils fait une interprétation piste par piste de Sgt. Pepper, ils ont même embauché ancien ingénieur du groupe comme technicien de son chef (Pouvoirs 2007).]

«Réplicabilité», en ce sens, se révèle être la caractéristique distinctive des oeuvres protégeables:

"Alors que le coût de création d'une réserve de travail pour la protection de droits d'auteur - par exemple, un livre, film, chanson, danse, lithographie, carte, annuaire d'entreprises, ou logiciel - est souvent élevé, le coût de reproduction de l'œuvre, que ce soit par le créateur ou par ceux à qui il a rendu disponible, est souvent faible. Et une fois que les copies sont disponibles à d'autres, il est souvent bon marché pour ces utilisateurs de faire des copies supplémentaires. Si les copies faites par le créateur de l'œuvre sont au prix ou à proximité de coût marginal, d'autres peuvent être découragés de faire des copies, mais les recettes totales du créateur ne peut pas être suffisant pour couvrir le coût de la création de l'œuvre. Protection des droits d'auteur - le droit du propriétaire du droit d'auteur pour empêcher d'autres de faire des copies - les métiers hors les coûts de la limitation de l'accès à un travail contre les avantages de fournir des incitations à créer du travail en premier lieu, «Landes et Posner 326.

Tout cela laisse plusieurs questions importantes pour Heidegger. Comment est-il possible pour les gens d'être exposés à Sgt. Pepper en tant que «travail», si personne (pour toutes fins utiles) n'a jamais «perçu», il «directement»? Chez Heidegger-welt, c'est au moins une condition préalable implicite pour une chose d'être une œuvre d'art. Parce qu'il serait impossible pour l'œuvre d'art à exercer son influence emblématique, si personne ne savait ce que c'était. Cela est aussi vrai pour les reproductions de Night Watch que ce soit pour les dossiers comme le Sgt. Reproductions Pepper, et les DVD de films et émissions de télévision.

Plus important encore, quel est l'être-nature de réplications de l'œuvre? Si Sgt. Pepper est une «œuvre d'art», faut-il acquérir cette stature que par la vertu de leurs caractéristiques chose comme? Personne ne qualifierait le record "soi" comme une œuvre d'art. Plutôt, il est une véritable pièce d'équipement - fonctionnel et transparent pour l'information sonore qu'elle contient, dont il dispensera l'interaction avec le bon type de dispositif de reproduction du son. Le «travail en soi» demeure fondamentalement intangibles, séduisante hors de portée. Notre «moyens d'accès» à elle est curieusement atténuée.

Cela devient encore plus clairement à considérer les phénomènes de radio et de télévision, ou, plus actuellement, les médias Internet en streaming. Imaginons un monde où nous avons fait disparaître les produits finis appareils de reproduction du son tout à fait. Pour écouter de la musique, on aime, ou assister à un spectacle, tout ce qu'on a à faire est de se connecter à un appareil portable d'une certaine sorte, qui va les recevoir automatiquement à travers l'éther. Littéralement, aucune «chose» est impliqué, sauf pour une éphémère "maître" enregistrement audio-visuel, quelque part sur un serveur.

Ces avancées technologiques ont de profondes implications pour Heidegger. Ils n'ont pas «être», parce qu'ils ne sont pas des «choses». Comme ils n'ont pas «exister», ils ne peuvent avoir aucune «vérité», ils ne peuvent être, ou comprendre, ou même se substituer à un " travail »de l'art. Il n'y a aucune raison particulière, cependant, pourquoi on devrait limiter le domaine ontologique de (potentiels) des œuvres d'art, si sévèrement. Je pense qu'il ya un moyen de sortir de ce dilemme pour Heidegger, mais il faudra lui faire admettre des phénomènes tels que les «performances» et (réciproquement, mais plus douteuse) «expériences» dans sa métaphysique. Bien que Heidegger aurait moins de soins, la distinction entre «mécanique» les utilisations d'une œuvre musicale (c'est à dire, son être comme une physique saine porte-appareil), et le travail de «performance», sont extrêmement importants, surtout quand il s'agit de questions comme les paiements le créateur de l'œuvre. Depuis ces derniers sont intangibles, il est clair qu'ils ne sont pas «des choses." Néanmoins, ils peuvent prendre part, ou participer à la "vérité" - ". Œuvre d'art» comme un

IV. Donne-moi cette guitare, S'il vous plaît

La dernière question que je voudrais à considérer est l'être-œuvre nature des créatifs, tels que les instruments (pour un musicien), un pinceau et la palette (pour un peintre), ou même le corps (pour un acteur, un danseur, ou un porno étoile). Ce sont plus que simplement «l'équipement», qui est la seule catégorie heideggerienne-d'être à laquelle ils appartiennent, autrement, pourraient. La raison pour laquelle ils sont différents parce que l'interprète / artiste déploie entre eux pour produire un travail créatif d'une manière assez inégales à la manière dont un menuisier utilise un marteau, Heidegger (1962) 98, ou un joueur exerce une raquette de tennis, Dreyfus (1998).

En tant que musicien (raisonnablement habile sur les guitares et les synthétiseurs modulaires), et aussi comme un joueur comme-nécessaire charpentier (OK-ish) et tennis (pas très bon), je peux dire avec clarté que l'expérience phénoménologique de jouer un instrument de musique est tout à fait différente de celle de marteler un clou, ou brandissant une raquette de tennis. Heidegger et Dreyfus sont complètement raison sur les deux derniers, et je n'ai rien à ajouter à leurs comptes respectifs.

Cependant, le premier est tout à fait dissemblables, en ce qu'elle ajoute une composante créative à l'utilisation de l'outil. Lorsque Mozart a effectué une sonate pour piano, par exemple - ou quand Eric Clapton improvise un solo de guitare - et pas seulement "toute vieille note" fera l'affaire. Alors, tout swing anciens du marteau est suffisante, tant qu'elle frappe le clou avec précision et avec force, et tout swing ancienne de la raquette de tennis est suffisante, tant il renvoie la balle avec effet désiré à une zone sur la cour .

Oui, mieux vous êtes à jouer d'un instrument, le plus transparent, il devient. Par exemple, vous oubliez moins de notes. Toutefois, cela ne tient pas compte de l'expérience essentiellement créative de jouer de l'instrument, qui intègre la fonctionnalité des équipements avec sa capacité en tant que moyen d'expression d'une créativité, de l'intention artistique.

Une façon de voir pourquoi c'est alors à considérer ce qui aurait pu être vrai si le trait opposé. Il ya un sens dans lequel toute œuvre d'art est indéterminée - une observation faite à merveille par John Cage dans son travail de près à le même nom (Cage 1959). Parce que, en principe, aucune note ne sera vieux, ou tout autre coup de pinceau vieille va faire, tant qu'il répond à certaines conditions requises techniques, c'est à dire qu'il est correctement intonation ou appliquée avec un certain, lisses course - ou peut-être pas, si c'est le l'effet souhaité.

Mais cette observation est loin de la marque, parce que si tout cela était il ya eu, il n'y aurait aucune différence entre une sonate pour piano de Mozart, et une fusillade déclenchée par notes piquées, par exemple, McCoy Tyner. Les deux serait juste assemblages aléatoires de notes, alors, ce n'est clairement pas le cas. Non seulement il ya des notes différentes, mais chaque joueur déploie également des techniques de performance différents, et évoque les différentes réponses esthétiques chez l'auditeur.

Le pinceau et la palette ont été, pour Rembrandt, bien plus que de simples outils. Pour les Beatles, leurs instruments étaient bien plus que de simples outils. Night Watch et le Sgt. Pepper n'a pas quelque peu accidentellement "se produire." Plutôt, ils ont besoin intense de concentration créative, au cours de laquelle l'équipement a été déployé pour obtenir un résultat créatif.

Une autre façon de voir cette dynamique à l'œuvre est de considérer l'improvisation musicale: par exemple, un solo de saxophone par John Coltrane, ou un solo de guitare par Eric Clapton. J'ai vu le groupe de rock Cream, dont M. Clapton est / était un membre, en 1968. Bien que je ne les vois pas sur leur récente, quelque peu abrégée "retrouvailles" tournée, j'ai regardé le DVD, et j'ai écouté le CD, de même. Je suis heureux d'annoncer la bande a été, sinon rien, bien mieux réunifiée, que jamais dans son (original) prime. Plus important encore, alors bien sûr il a joué les thèmes nécessaires musicale - le "riffs", dans le jargon de rock - ses improvisations autour d'eux ont été complètement original et unique.

Sounding suspecte heideggerienne, M. Clapton a déclaré: «Je n'ai pas toute la musique en moi jusqu'à ce que je suis à l'endroit où elle est nécessaire. Quelle est l'une des raisons pour lesquelles je faire cela ", Fricke 52. "L'endroit où elle est nécessaire" n'est ni plus ni moins qu'un monde heideggerien. Ces artistes ne sont pas seulement jouer les notes au hasard. Plutôt, ils sont le déploiement d'un ensemble complexe de compétences vers une fin de création, et en utilisant leurs instruments d'une manière qui est complètement différent de l'équipement.

Danse - Ballet, jazz, hip-hop - participe de la détermination même, comme le fait agir, en particulier sur scène. Là, comme à l'improvisation, la liberté de mouvement n'est pas rigoureusement limitée par une partition chorégraphique, ou didascalies dans un script. Même s'il ya des douzaines de différentes inflexions et nuances, différentes façons de jouer une scène, une en particulier émerge. Une partie de l'habileté du dirigeant est d'induire l'acteur pour offrir les performances que les meilleurs capture la nature essentielle du personnage (la nature de l'être du personnage) dans la scène (plus loin, dans le cas du cinéma, de choisir parmi les concurrentes prend).

Et puis il ya la performance de la star du porno - avoir des relations sexuelles devant la caméra - où son corps est littéralement le milieu artistique lui-même, sans l'intervention de périphériques externes translative (guitares, pinceaux, etc) - sauf quand - oh, jamais esprit.

Comme c'est la coutume dans des essais comme celui-ci à fermer avec un ironique, de post-ironique, l'observation, je propose ce qui suit. Comment avez-Heidegger qui concerne la chose-ness de ses propres livres - les moyens par lesquels il exprimait ses idées exceptionnellement créative? Les livres comprennent des mots. Mais pourquoi Heidegger sélectionner les mots particuliers qu'il a fait, contrairement à certains autres mots? Bien sûr, pour exprimer les idées qu'il voulait exprimer, dans ses propres expressions idiomatiques, le style idiosyncrasique.

Mais ce n'est point entier - le livre est plus que simplement un conteneur pour les mots écrits en elle. Les mots sont plus que simplement ". Équipements" Au contraire, le livre est un référentiel d'idées et d'intentions - ceux qui sont censés et véhiculés par l'auteur dans l'œuvre. Rembrandt savait où pinceaux et les couleurs qu'il voulait utiliser. Clapton sait quelles notes jouer. Heidegger, et souvent faite, les meilleurs mots qu'il a pu.

RÉFÉRENCES

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