Psicologia fenomenologica

"Né qualificare", dice Heidegger (o almeno così avrebbe detto) in "L'origine dell'opera d'arte." Piuttosto, per essere un '"opera d'arte," una cosa deve essere sconvolgente, la cultura, trasformando importanza. Solo alcuni candidati soddisfano questo criterio - come il Tempio ha fatto per i greci arcaici. Ha definito il loro mondo e ha creato uno spazio all'interno del quale le cose rivelativa e ruoli diventato significativo.

Sono giunto a credere che conto di Heidegger è privo di (almeno) tre aspetti importanti. In primo luogo, vogliamo designare molte cose come "opere d'arte", anche se manca il paradigma-costituisce funzione di Heidegger richiede, al fine di ricevere questa denominazione. . Criterio di Heidegger è dunque indebitamente restrittivo In secondo luogo, Heidegger non può spiegare l'essere di quello che potrebbe essere chiamato "software per l'intrattenimento del consumatore" - oggetti come libri, DVD e "record" (una "vecchia scuola" termine che userò come proxy per i CD, download e streaming di media digitali). In molti casi questi sono il nostro unico mezzo di accesso al lavoro in sé - ma qual è la natura del loro rapporto con il terzo lavoro, Heidegger non tiene conto per l'essere degli strumenti della creazione - oggetti come chitarre e sintetizzatori per il musicista , il pennello e tavolozza per il pittore, ecc mi occuperò con ciascuno di questi temi a loro volta.

I. Heidegger 's Ontologia Creativo

Ontologia di Heidegger è purtroppo scarsa quando si tratta di creatività - ironico, perché Heidegger stesso è uno dei pensatori più creativi del 20 ° secolo. Per Heidegger, ci sono tre (e solo tre) tipi fondamentali di esseri - attrezzature (il "ready-to-hand"), le cose (il "presente a portata di mano"), e Dasein. Questo porta ad un problema, che è, «[a] n opera d'arte è come una cosa, perché è percepibile dai sensi * * * [d'altra parte, esso] è chiaramente diverso le cose ... perché è prodotto dall'uomo. * * * [A] n opera d'arte è come attrezzature perché è fatta dall'uomo, ma è proprio perché a differenza di attrezzature [non è] del tutto subordinato alla funzione, "Lawry 186. In "L'origine dell'opera d'arte," Heidegger quindi istituito un'altra categoria di essere, che è, l '"opera d'arte." "Ha un rapporto privilegiato con l'essere, simile solo a quello accordato al Dasein," Mansbach 163.

Al fine di qualcosa per essere un'opera d'arte, deve essere in grado di creare, o invocare, un mondo. "Il mondo nel senso in cui Heidegger usa la parola quando chiama stato fondamentale dell'uomo di essere" essere-in-the-world "non è il nostro ambiente, né la somma degli oggetti nella realtà esterna. * * * Questo regno delle mie possibilità è un regno unificato interrelati di essere, cioè, tutte le cose della realtà esistente che sono noti a me appaiono qui quello che sono, "Jaeger 62.

Per un dipinto, questo significa collocare ciò che è raffigurato in un contesto in cui si coesiste con tutti gli altri accorgimenti di quel mondo. Heidegger considera dipinto di Van Gogh di un paio di scarpe contadine. "L'opera d'arte fateci sapere cosa le scarpe sono in realtà", Heidegger (1971) 35, corsivo mio. Con il termine "in verità", Heidegger significa, il dipinto rivela il modo in cui le scarpe "sono," la natura del loro essere. Esso costituisce, o è composto, il loro mondo, o il mondo in cui compaiono. "La pittura di Van Gogh 'parlato' e 'rivelato' ciò che il contadino scarpe sono davvero, svelando la verità del 'contadina essendo scarpe attraverso l'opera d'arte", Stulberg 260.

Come corollario a questo, dovrebbe esserci un momento in cui non possiamo più immaginare o comprendere quel mondo, quindi il "lavoro" non è più un '"opera d'arte." In una sorta di gioco-on-parole, il lavoro di l'arte non "funziona". Il tempio greco, per esempio, ha smesso di essere un opera d'arte dopo i Greci arcaici non credevano più nella divinità che lo abitarono. E 'diventato semplicemente un esperienza estetica - qualcosa che ci piace, per qualsiasi motivo. "[A] rtworks appartengono a un mondo specifico che essi contribuiscono trovato, ma diventano, con il passare-away di quel mondo, oggetti d'arte semplicemente senza mondo", Bruin 56. Reciprocamente, per esserci, "La radura che l'opera d'arte crea rende l'esistenza autentica possibile", Mansbach 167.

Ma Heidegger non si ferma qui. Si relega tutti i non-arte "veritiera", in questo senso specializzato di "creare un mondo", per la stessa categoria - fenomeno meramente estetico, le opere che fanno appello ai sensi. "Estetica ... prende il dominio del regno di sensazione o sentimento e si limita ad esaminare il modo in cui vengono convogliati tali sentimenti attraverso la mediazione dell'oggetto. * * * [Dal] l'oggetto in sé rimane velata dalla cognizione umana, l'estetica naturale si trasforma completamente a un esame del soggetto che la esperisce. Nel processo, l'opera d'arte stessa è resa superflua, "Palmer 400, enfasi aggiunta.

II. Ci deve essere qualcosa di più questo!

Credo che la definizione di Heidegger è troppo restrittivo, in quanto non tiene conto di cose che tutti chiamerebbero "opere d'arte" che, tuttavia, non sono "cultura stabilire" o "cultura trasformando" in senso specializzato di Heidegger. Due esempi sono io considero la pittura di Rembrandt, La ronda di notte (1642) e dei Beatles 'Sgt registrazione. Pepper Lonely Hearts Club Band (1967).

In mostra rilievo nel Rijksmuseum di Amsterdam, La ronda di notte è uno dei dipinti più famosi di Rembrandt. Raffigura un gruppo di borghesi olandesi, in vari eroicomico pone, in quanto presumibilmente testa bastioni a guardia della città. Conosciuto per la sua sottile gioco di ombra e luce, è "un chiaro caso di un'opera d'arte", Ziff 58.

Mi hanno resistito di fronte a questo dipinto, ipnotizzato, guardando la cosa da diversi punti di vista per mezza giornata, guardando il flit luce sulla tela, guardando la gente a guardarla, le parole di una canzone eseguita dalla band re art-rock Crimson riverberante nella mia testa:

Tanti anni abbiamo sofferto qui
Il nostro paese tormentato dalla guerra spagnola
Ora arriva la possibilità di trovare noi stessi
E regna silenzio dietro le nostre porte
Pensiamo a posteri di nuovo
E così l'orgoglio di piccoli uomini
I bravi cittadini e vero
Ancora in vita attraverso la mano pittori
Richiesta a tutti voi di capire,

Palmer-James, R (1973). I personaggi raffigurati nel dipinto il sorriso a me, piacevolmente. Uno di loro chiama. "Venite con noi", dice. In questo modo, i confini tra arte e osservatore si dissolvono.

Il signor Palmer-James 'lyrics bella maniera concisa riassumere tutti i requisiti di una cultura-definizione dei lavori. Non hanno cogliere il "significato" dell'opera, soprattutto per coloro intensamente acclimatati sia per l'essere della pittura, e l'essere della canzone?

Eppure la comunità di Rembrandt del 17 ° secolo patroni era transitoria. E 'dispersa dopo la morte di Rembrandt nel 1669. Inoltre, Night Watch non era particolarmente popolare. "[M] ogni della corporazione dei arciere che ha dato Rembrandt la commissione non avrebbe pagato la loro parte perché le loro facce non erano chiaramente visto. * * * [E '] era l'ultima commissione che nessuna delle corporazioni erano disposti a dare all'artista, perché non avrebbe fatto i loro ritratti belli o belle guardando a svantaggio dell'intero quadro, "http://www.historyofholland .com / Rembrandt-e-il-nightwatch.html (2007).

Dopo Rembrandt ha dipinto ", ha lentamente caduto in disgrazia pubblico * * * [Una delle ragioni di questo declino] è stato un cambiamento nei gusti olandese nell'arte. Durante il 1640 i cittadini ricchi, forse crescendo un po 'morbido nella loro sicurezza, ha sviluppato una predilezione per ostentazione ed eleganza. Hanno cominciato a preferire i colori brillanti e garbato che era stata avviata da pittori come il ritrattista alla moda fiammingo Anton Van Dyck - che, comunque bene un artista, mancava profondità di Rembrandt. L'uso del chiaroscuro di Rembrandt loro insoddisfatti troppo, e si allontanò da un artista che sembrava 'dark' e - ciò che è stato forse peggio - ha chiesto che si dedicano qualche pensiero a quello che stavano guardando, "http://www.rembrandtpainting.net / rembrandt's_night_watch. htm (2007). Sarebbe giusto dire che non è stato fino all'invenzione della litografia moderna che il dipinto fu esposto a un pubblico più ampio.

Night Watch, poi, mancava il significato, conferendo caratteristiche di un'opera d'arte heideggeriano. Nemmeno il suo stesso popolo crede in essa, e fino all'avvento dei tempi moderni, è essenzialmente era inaccessibile a chiunque non fosse in visita personalmente. E 'solo la critica d'arte successivi e storia dell'arte che lo riconoscono come il paradigma-definizione del lavoro è, in verità e realtà. Per Heidegger, però, questo non è sufficiente. Piuttosto, il popolo il cui mondo è definito dalla vera opera d'arte deve essere contemporanee con esso. Perché se non ci credo - quando gli dei lasciano il tempio - la sua "magica" proprietà vaporizzare. Heidegger non ammette la possibilità che un'opera d'arte trascende il tempo, o che la sua arte solo come qualità si manifestano nel tempo.

Vediamo un altro esempio, che è il sergente. Pepper Lonely Hearts Club Band. Avevo circa nel 1967, e conobbe il suo fenomeno, di prima mano. "Sia i Beatles che intende o no, il sergente. Pepe divenne il simbolo - immediatamente - le ambizioni e le aspirazioni e le paure di una generazione. * * * Quello che era iniziato in quegli anni come un consenso nel gusto e nello stile - con i Beatles al centro - ha trasformato in un impegnativo visione del mondo. * * * No singola opera era ancora sintetizzato questi sensi nuovo e coraggioso della comunità, idee e arte. Nulla di ciò che è, fino a Sgt.. Pepe. * * * Sgt.. Pepe ha colpito un nervo nella cultura popolare come niente prima d'allora, era segnato un'epoca e forma-busting, e intenzionalmente o no, lo afferrò e incoraggiato l'umore dei tempi. * * * Sgt.. Pepe era parte di un momento in cui il Novecento si apriva per rivelare le potenzialità all'interno di ... ", Gilmore 74.

Il plauso, per essere sicuri. Ed è sempre selvaggiamente divertente da individuare Heidegger-tipo di lingua ("apertura a rivelare le potenzialità all'interno") da uno scrittore che non mostra inclinazioni verso Heideggerianism. Tuttavia, il fatto della questione è la comunità che abbraccia questo disco non è stata tutta la popolazione del "mondo", o anche "un mondo." Piuttosto, era "una generazione", e uno più giovane, a quel - un sottoinsieme di un gruppo. Inoltre, questo sub-set è stato geograficamente orientate attorno grande, urbano, mass-media center, come lo erano al tempo - posti come città universitarie, per esempio. Quindi, siamo di fronte a un'opera che innegabilmente è stato influente, cultura-trasformazione, e anche in tutto il mondo definiscono - ma solo per alcune persone in alcuni locali. Heidegger è così dislocata non solo con riferimento al tempo, ma anche per quanto riguarda lo spazio e di gruppo (o di classe, o in natura) di appartenenza.

Apro la mia copia di Poesia, linguaggio e pensiero, le sue pagine ormai separa dal loro legame, solo per scoprire che (ancora una volta, con mio grande sgomento continua) che Heidegger non considera una di queste ad essere un'opera d'arte.

La soluzione a questo dilemma non è difficile da raggiungere. Heidegger ha solo bisogno di ampliare i criteri per ciò che conta come un '"opera d'arte" per ospitare piccoli gruppi, che possono essere in luoghi diversi, ed esistono in tempi diversi. Questo non vincolare, e implementa, infatti, Heidegger obiettivi, che sono: (a) per dimostrare la connessione tra "arte" e "verità", cioè, l'arte come rivela il senso di essere, e (b) per distinguere tra arte, in questo senso, e altri tipi di opere che, mentre noi ancora può "chiamare" loro arte, in realtà non sono "arte", correttamente intesa.

Questo a sua volta permette la possibilità di quella che potremmo chiamare un account "ontico" dell'essere dell'opera d'arte. Con questo voglio dire che un'opera d'arte potrebbe avere un effetto di trasformazione su un individuo, o di una piccola comunità di individui, al contrario di un'intera cultura. E, che i singoli o comunità non devono essere situati in contemporanea con il mondo che originariamente prodotto l'opera.

III. Iterazioni di un opera d'arte

La maggior parte delle persone, oserei dire, hanno incontrato Night Watch, cercando in una riproduzione di essa in un libro, e ora, senza dubbio, on line. In linea di principio, queste riproduzioni variano enormemente in calibro e qualità. Riproduzioni di stampa, per esempio, sono influenzati non solo dal tipo di carta utilizzata, ma anche dal tipo di inchiostro, e altri capricci del processo di stampa. Una rapida occhiata a Google Images rivela che la densità di bit on-line Night Watch riproduzioni varia di diversi ordini di grandezza. È l'opera d'arte solo la pittura stessa, appeso al Rijksmuseum? Oppure fare queste iterazioni, o istanze, o inculcations di essa - per quanto imperfetto potrebbero essere - hanno ancora il potere, o la capacità, di ispirare Dasein, e per aiutare a definire il suo mondo?

Questo problema diventa ancora più grave se si considera il sergente. Pepe. Per il semplice fatto della questione è, c'è "è" no "lavoro" fisico come un dipinto. Piuttosto, il "lavoro" si comprende i milioni di copie che vengono venduti e distribuiti.

Come persona che ha prodotto registrazioni di suoni, posso dirvi che, naturalmente, vi è una registrazione multi-traccia audio master, che comprende le prestazioni individuali e di gruppo dei membri della band, a volte resi contemporaneamente, a volte "doppiato" in modo non -processo in tempo reale. Questo multi-traccia master poi si mescola fino a due traccia master stereo. Copie di allora sono fatte (e, talvolta, copie di copie, e così via per molte generazioni), dal quale le merci fisiche - dispositivi supporti sonori, come dischi, cassette e CD - vengono duplicate.

I master a sua volta può essere remixato o ricostruite, potenzialmente con conseguente drastica revisione (e diversa percezione) del lavoro. Per esempio, ho recentemente acquistato un nuovo album di remix dei Beatles dal titolo Amore. Una delle tracce è un remix del sergente. Pepper George Martin (produttore originale dei Beatles ') e suo figlio Giles Martin, hanno sapientemente e accuratamente ricreato lo dall'originale. canzone, "A Day in the Life".

Dopo aver ascoltato una volta, l'ho subito riprodotto una dozzina di volte di fila, ero così eliminato dal suo impatto puro suono. Ho avuto alcun controllo su questo modo, è che convincente. Le differenze tra i remix e l'originale sono impressionista, come paragonare i vini, o analizzare i punti più fini di audio pre-amplificatore tubi (v. BriMar Mullard Amperex v. v. Telefunken). La mia impressione è la nuova versione di "A Day in the Life" è più viscerale, più muscoloso. Dal punto di vista della tecnologia audio, questo è stato fatto attraverso diversi (migliorato) la separazione traccia, compressione, equalizzazione, e (francamente) eliminando un sacco di informazioni sonore.

Il fenomeno più interessante, però, è la creazione di differenze, per cominciare - all'interno della struttura di una canzone che in precedenza era statico. Quale versione "è" la canzone, o meglio l'essere iterate della canzone, qualsiasi cosa ciò significhi?

Remix di questo tipo nonostante, vi posso assicurare a una certezza epistemologica che l '"originale" registrazioni audio maestro del sergente. Pepe sono tenuti sotto chiave presso gli Abbey Road Studios di Londra, in Inghilterra, dove fu registrato l'album. Lo so personalmente perche 'io ci sono stato, quando ero un dirigente con la EMI Records. Le uniche persone che hanno "sentito dire" loro sono gli stessi artisti, e un cadre estremamente ridotto di personale tecnico.

Inoltre, i Beatles Sgt. mai eseguito. Pepe di fronte a un pubblico "live". [Anche se evidentemente il trucco banda economici recentemente lo ha fatto. Non solo si è comportata un brano per brano resa del sergente. Pepe, hanno anche assunto ex ingegnere della band come tecnico del suono principale (Powers 2007).]

"Replicabilità", in questo senso, risulta essere la caratteristica distintiva delle opere di copyright:

"Mentre il costo di creare un soggetto di lavoro per la protezione del copyright - per esempio, un film, libro, canzone, balletto, litografia, mappa, business directory, o di programmi informatici - è spesso alta, il costo di riproduzione dell'opera, sia per il creatore o da coloro ai quali ha messo a disposizione, è spesso bassa. E una volta che le copie sono a disposizione di altri, è spesso poco costoso per questi utenti di effettuare copie aggiuntive. Se le copie fatte dal creatore del lavoro hanno un prezzo uguale o simile al costo marginale, altri possono essere scoraggiati dal fare le copie, ma i ricavi totali del creatore non può essere sufficiente a coprire il costo della creazione dell'opera. Protezione del copyright - il diritto del proprietario del copyright per impedire ad altri di fare copie - mestieri fuori i costi di limitare l'accesso ad un lavoro a fronte dei benefici di incentivi per creare l'opera in primo luogo, "Landes e Posner 326.

Tutto questo lascia alcuni interrogativi importanti per Heidegger. Come è possibile per le persone a diventare esposti a sergente. Pepper come un "lavoro", se nessuno (per tutti gli effetti) mai ha "percepito" è "direttamente"? In Heidegger-welt, questo è almeno un precedente condizione implicita di qualcosa per essere un'opera d'arte. Perché sarebbe impossibile per l'opera d'arte di esercitare la sua influenza iconico, se nessuno sapeva cosa fosse. Questo vale sia per riproduzioni di Night Watch, come lo è per dischi come Sgt.. Riproduzioni pepe e DVD di film e show televisivi.

Ancora più importante, quello che è l'essere-natura di repliche dell'opera? Se Sgt.. Pepper è una "opera d'arte", fa acquisire questa statura solo in virtù della loro cose simili caratteristiche? Nessuno avrebbe caratterizzato il record di "sé" come opera d'arte. Piuttosto, è un vero pezzo di equipaggiamento - funzionale e trasparente alle informazioni sonore che contiene e che verrà meno al momento dell'interazione con il tipo corretto di riproduzione del suono del dispositivo. Il "lavoro stesso" rimane fondamentalmente immateriali, seducente fuori portata. Il nostro "mezzo di accesso" ad essa è curiosamente attenuato.

Questo diventa ancora più evidente considerando i fenomeni sopra della radio e della televisione, o, più attualmente, i media su Internet in streaming. Immaginiamo un mondo in cui abbiamo eliminato i prodotti finiti la riproduzione del suono dispositivi del tutto. Per ascoltare la musica si gode, o assistere ad uno spettacolo, tutto si deve fare è connettersi a un dispositivo portatile di qualche tipo, che li riceverà automaticamente attraverso l'etere. Letteralmente "cosa" è coinvolto, fatta eccezione per un effimero "master" registrazione audio-video, da qualche parte su un server.

Questi progressi tecnologici hanno profonde implicazioni per Heidegger. Non hanno "essere", perché non sono "cose". Dal momento che non "esiste", non possono avere alcuna "verità", né possono essere, o comprendere, o anche per stare in un " opera "d'arte. Non c'è alcun motivo particolare, però, perché dovremmo limitare la sfera ontologica di (potenziale) di opere d'arte, così duramente. Credo che ci sia una via d'uscita da questo dilemma per Heidegger, anche se sarà necessario lo ammettere fenomeni come la "performance" e (reciprocamente, ma più dubbiosamente) "esperienze" nella sua metafisica. Anche se Heidegger sarebbe importare di meno, la distinzione tra "meccanico" usi di un'opera musicale (cioè, il suo essere come un fisico del suono-carrier device), e il lavoro di "performance", sono incredibilmente importanti, soprattutto quando si tratta di questioni come i pagamenti al creatore dell'opera. Dal momento che questi ultimi sono intangibili, chiaramente non sono "cose". Tuttavia, essi possono partecipare, o partecipare, "verità" - ". Opera d'arte" proprio come un

IV. Me mano che la chitarra, per favore

L'ultima questione che vorrei considerare è l'essere-natura di strumenti creativi, quali strumenti (per un musicista), pennello e tavolozza (per un pittore), o anche il corpo (per un attore, un ballerino o un porno stella). Questi sono più che semplicemente "attrezzature", che è l'unica categoria heideggeriana-di-essere a cui altrimenti potrebbe appartenere. Il motivo per cui sono diversi perché il performer / artista distribuisce loro di produrre un lavoro creativo in una maniera molto dissimile dal modo in cui un falegname utilizza un martello, Heidegger (1962) 98, o un giocatore impugna una racchetta da tennis, Dreyfus (1998).

Come musicista (ragionevolmente abile alle chitarre e sintetizzatori modulari), e anche come giocatore necessario, come falegname (OK-ish) e tennis (non così bene), posso dire con chiarezza che l'esperienza fenomenologica di suonare uno strumento musicale è del tutto diversa da quella di martellare un chiodo, o impugnare una racchetta da tennis. Heidegger e Dreyfus sono completamente ragione su questi ultimi due, e non ho nulla da aggiungere alla loro rispettivi conti.

Tuttavia, il primo è molto dissimile, nel senso che aggiunge una componente creativa per l'utilizzo dello strumento. Quando Mozart eseguita una sonata di pianoforte, per esempio - o quando Eric Clapton improvvisa un assolo di chitarra - non solo "una nota vecchia" farà. Considerando che, qualsiasi oscillazione vecchio del martello è sufficiente, a patto che colpisce nel segno con precisione e con forza, e ogni oscillazione storico della racchetta da tennis è sufficiente, a patto che restituisce la palla con effetto desiderato ad una zona in campo .

Sì, meglio si sta a suonare uno strumento, il più trasparente diventa. Ad esempio, è perdere meno note. Tuttavia, questo non tiene conto essenzialmente l'esperienza creativa di suonare lo strumento, che integra la sua funzionalità come dotazione con la sua capacità come mezzo di espressione di una creatività, l'intenzione artistica.

Un modo per capire perché questo è così è quello di considerare che cosa dovrebbe essere vero se il apparteneva opposto. C'è un senso in cui ogni opera d'arte è indeterminata - meravigliosamente un'osservazione fatta da John Cage nel suo lavoro di primi con lo stesso nome (Cage 1959). Perché, in linea di principio, qualsiasi nota vecchi farà, o qualsiasi colpo di pennello vecchio va bene, a patto che soddisfa determinati requisiti tecnici, vale a dire che è correttamente intonato o applicati in modo sicuro, liscio ictus - o forse no, se questo è il l'effetto desiderato.

Ma questa osservazione è inferiore del marchio, perché se fosse tutto quello che c'era, non ci sarebbe differenza tra una sonata per pianoforte di Mozart, e una raffica di note staccato scatenata da, diciamo, McCoy Tyner. Entrambi sarebbero solo assemblaggi casuali di note, mentre, che chiaramente non è il caso. Non solo ci sono note diverse, ma ogni giocatore distribuisce anche diverse tecniche di esecuzione, ed evoca le risposte estetiche differenti in chi ascolta.

Il pennello e tavolozza sono stati, per Rembrandt, molto più che semplicemente gli strumenti. Per i Beatles, i loro strumenti erano molto più che semplicemente gli strumenti. Night Watch e sergente. Pepe non ha in qualche modo solo accidentalmente "accadere". Piuttosto, essi richiesto intensa concentrazione creativa, nel corso della quale è stato distribuito materiale per ottenere un risultato creativo.

Un altro modo di vedere all'opera questa dinamica è quello di considerare l'improvvisazione musicale: per esempio, un assolo di sassofono di John Coltrane, o un assolo di chitarra di Eric Clapton. Ho visto la Crema rock band, di cui il signor Clapton è / è stato membro, nel 1968. Mentre io non li vedo sul loro recente, un po 'abbreviato tour "reunion", ho visto il DVD, e ascoltato il CD, degli stessi. Sono lieto di segnalare la band era, se non altro, molto meglio riuniti, di quanto non lo sia mai stato nella sua (originale) prime. Ancora più importante, mentre, naturalmente, ha giocato i temi richiesti musicale - il "riff", nel gergo di roccia - le sue improvvisazioni intorno a loro erano completamente unico ed originale.

Sounding sospetto heideggeriana, il signor Clapton ha dichiarato: "Non ho la musica in me fino a quando sono nel luogo dove è necessaria. Che è uno dei motivi che faccio questo ", Fricke 52. "Il luogo dove serve" è né più né meno che un mondo heideggeriano. Questi artisti non sono solo casualmente suonare le note. Piuttosto, stanno implementando una elaborata serie di competenze verso un fine creativo, e utilizzando i loro strumenti in un modo che è completamente diverso da quello materiale.

Danza - danza classica, jazz, hip-hop - partecipa la finalità stessa, così come la recitazione, soprattutto sul palco. Lì, come con l'improvvisazione, la libertà di movimento non è rigorosamente vincolato da un punteggio coreografico, o didascalie in uno script. Anche se ci sono decine di inflessioni e sfumature diverse, modi diversi di giocare una scena, uno in particolare emerge. Parte della capacità di dirigere è quello di indurre l'attore a fornire le prestazioni che meglio coglie la natura essenziale del personaggio (la natura di essere il personaggio) nella scena (oltre, nel caso del film, scegliendo tra competizione prende).

E poi c'è la performance della stella porno - sesso sulla macchina fotografica - dove il suo corpo è letteralmente il mezzo artistico in sé, senza l'intervento di dispositivi esterni traslatoria (chitarre, pennelli, ecc) - ad eccezione di quando - oh, mai mente.

Dal momento che è l'usanza in saggi come questo per chiudere con un ironico post-ironico di osservazione, offro i seguenti. Come ha fatto Heidegger riguardo la cosa-ness dei suoi libri - il mezzo con cui esprimeva le sue idee straordinariamente creative? I libri comprendono parole. Ma perché Heidegger selezionare le parole particolare che ha fatto, a differenza di alcune altre parole? Naturalmente, per esprimere le idee che voleva esprimere, nella propria idiomatiche, stile idiosincratico.

Ma questo è il punto - il libro è più di un semplice contenitore per le parole scritte al suo interno. Le parole sono più che semplicemente ". Equipaggiamento" Piuttosto, il libro è un archivio di idee e intenzioni - quelli destinati e veicolata da l'autore nel lavoro. Rembrandt sapeva che pennelli e colori che voleva usare. Clapton sa cosa note da suonare. Heidegger, e spesso costituito, le parole migliori che poteva.

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