현상 학적 심리학

"둘 다 자격 없다"에서 하이데거 (또는 그래서 그는 말했던 것) "예술 작품의 기원은."대신하기 위해 "예술 작품"일이 있어야 지구를 산산조각내는, 문화 변화 말합니다 중요성. 단지 몇 후보자는이 기준을 충족 - 사원은 오래된 그리스에 대해 그랬던 것처럼. 그것은 자신의 세계를 정의하고 물건과 역할이 의미가 된 어느 이내 disclosive 공간을 만들었습니다.

나는 하이데거의 계정이 (적어도)에 세 중요한 경의를 부족 있다고 믿는왔다. 첫째, 우리는 많은 것들을 지정하려면 "예술 작품"은 하이데거를받을 수 있도록, 필요한 패러다임 - 구성 기능이 부족하더라도 이 명칭. . 하이데거의 기준 그러므로 신체 제한 둘째, 하이데거는 "소비자의 엔터테인먼트 소프트웨어"라고이 될 일을하고 설명할 수없는 - 책, DVD 및 "레코드"(나는 CD의 프록시로 사용합니다 "오래된 학교"라는 용어와 같은 개체를, 다운로드 및 스트리밍 디지털 미디어). 많은 경우에, 이들은 작품 자체에 대한 접근의 유일한 수단입니다 -하지만 작품에 대한 그들의 관계의 본질이 무엇인지 셋째, 하이데거 창조의 도구가되어 줘서 계정이되지 않습니다 - 음악가에 대한 기타 및 신디사이저와 같은 객체 , 화가에 대한 브러시와 팔레트 등 전 차례로 이러한 문제의 각 다룰 것입니다.

I. 하이데거의 크리에이 티브 온톨로지

하이데거 자신이 20 세기의 가장 창조적인 사상가 중 하나이기 때문에, 아이러니 - 그것이 창의력에 관해서는 하이데거의 존재론은 유감스럽게도 씨의 있습니다. 장비 (이하 "준비 - 투 - 손"), 물건 (이하 "현재에서 직접 ') 및 Dasein - 하이데거를 위해 세 (만 세) 기본적인 인간의 종류가있다. 이것은,이 문제에 리드 "[]는 감각으로 지각할 수 있기 때문에 N 작품은 것처럼 * * * [반면에, 그것이] 것들과 달리 명확하게는 ... 그것이 사람에 의해 생산되기 때문입니다. * * * [A] 그것이 인간에 의해 만들어 때문에 N 작품은 장비와 같은 있지만, [그렇지 않은 왜냐하면 그것이 정확하게 장비를 달리합니다 전적으로 기능에 후순위 "Lawry 186. 에서 "예술 작품의 유래는"하이데거 따라서되고 다른 카테고리 설립 "예술 작품을." "이것은,"Mansbach 163 Dasein에 accorded 비슷한 것에 특권 관계를 가지고 있습니다.

예술 작품으로 무언가를 위해서는, 생성, 또는 세상을 호출 수 있어야합니다. 되는 인 - 더 - 세상은 "우리 환경이나 외부 현실에있는 개체의 합계 - 총하지 않습니다."그가받는 사람의 기본 상태를 호출했을 때 하이데거는 단어를 사용하는 의미에서 세계 " * * * 나의 가능성의이 영역은, 즉 감정의 통합된 상호 영역이며, 나에게 알려진 기존 현실의 모든 것들이 그들이, "저격병 62아르 무엇으로 여기에 나타납니다.

그림을 위해, 이것은 그 세계의 다른 accouterments의 모든 공동 존재하는 맥락에서 묘사되는 것을 situating 의미합니다. 하이데거 농민 신발의 쌍 반 고흐의 묘사를 고려합니다. "예술 작품은 우리가 신발을 사실에 알려,"하이데거 (1971) 35는 강조했다. 에 의해 "사실,"하이데거 의미의 그림 "은"자신되는 자연을 신발 방법을 공개합니다. 그것은 구성이나 구성되어, 자신의 세계, 또는 그들이 표시되는 세계. "반 고흐의 그림은 '​​이야기'와 예술의 작품에 의해 농민 신발 '되는 진실 공개, 농민 신발이 정말 어떤'공개 '"Stulberg 260합니다.

이에 대한 추론으로, 우리가 더 이상 세계를 구상하거나 이해할 수있는 시간을 와야 후 "작품"더 이상 "예술 작품"입니다. 없음 플레이 - 온 - 단어의 일종에서 작업 예술은 더 이상 "사용할 수 있습니다."그리스어 사원 예를 들어, 더 이상 살고 신을 믿은 적이 오래된 그리스 이후 예술 작품이 되려는 시도를 멈추지 않습니다. 어떤 이유로 우리를 기쁘게 무언가 - 그것은 단순히 미적 경험이되었다. Bruin 56 "[A] rtworks은 통과 - 저리 세계, 단순히 worldless 예술 개체와, 그들이 찾을 수 있도록 구체적인 세계에 속해 있지만,가." 서로, Dasein을 위해, "예술의 작품이 생성 삭제는 본격적인 존재가 가능하게"Mansbach 167.

그러나 하이데거는 여기에 그치지 않는다. 그는 동일한 범주에 "세상을 만들기"의 전문 의미에서, 이외의 모든 '진실'예술을 relegates - 단순히 미적 현상 작동 감각에 호소. "미학은 ... 감각이나 감정이 개체의 중재를 통해 전달하는 방식을 통해 조사하는 느낌과 경계 자체의 영역으로 그 도메인을 걸립니다. * * * [이후] 객체에 - 그 자체가 인간의 인식에서, 미학은 자연스럽게 경험 피사체의 시험에 완전히 자신을 통해 전환 가려져 남아 있습니다. 이 과정에서 예술 자체의 작업이 불필요한, "의원 400 렌더링됩니다 강조했다.

II.있을거야 이것보다한다!

나는 그것이 모두에도 불구하고,하지, "예술 작품"이라고 부를 것이다 것들에 대한 계정을하지 않기 때문에 하이데거의 정의가 너무 제한 것 "문화 확립"이나 하이데거의 전문 의미에서 '문화 변화 ". 제가 생각 두 예제는 렘브란트의 그림을 야간 시계 (1642)이며, 비틀즈 '기록 경사. 고추의 외로운 하트 클럽 밴드 (1967).

암스테르담에있는 Rijksmuseum에있는 유수의 디스플레이, 나이트 시계는 렘브란트의 가장 유명한 그림 중 하나입니다. 그들이 성지 도시의 ramparts을 보호하러 머리로 그것은 모의 - 영웅은 다양한 포즈로, 네덜란드어 burghers 그룹을 묘사. 그림자와 빛의의 미묘한 상호 작용에 대해 알려진, 그것은 "예술 작품의 명백,"짧은 턱수염 58입니다.

나는 그것을 찾는 사람, 예술 록 밴드 왕 수행 노래의 말씀을보고, 캔버스에 걸쳐 빛을 훨훨 날다를보고, 반나절에 대해 서로 다른 관점에서 그것을 쳐다보며, 푹,이 그림 앞에 서있다 크림슨 내 머리에 reverberating :

그래서 오랜 세월 우리는 여기 고통
우리 나라는 스페인 전쟁과 깨졌어
지금 자신을 찾을 수있는 기회를 제공
그리고 문 뒤에 조용한 장악한
우리 또 후세 생각
그리고 작은 사람의 자부심
burghers 좋은, 그리고 진실
아직 화가의 손을 통해 생활
당신은 모든 이해 요청,

팔머 - 제임스, R (1973). 문자 beguilingly, 날 그림의 미소에서 묘사. 그중 하나가 유혹하네요. "우리와 함께 가자,"라고 말합니다. 이러한 방법으로 예술과 관찰자 사이의 테두리는 디졸브.

팔머 씨 - 제임스 '아름다운 가사는 간결 문화 정의 작업의 requisites 모두 요약. 그들은 특히 강렬한 그림의되고 모두 acclimated들을 위해 작품의 "의미", 그리고 노래의 포착되지 않나요?

그러나 렘브란트의 17 세기 후원자의 사회는 일시적인되었습니다. 그것은 1669 년 렘브란트의 죽음 이후에 분산. 또한, 야경은 특히 인기가되지 않았습니다. "[M] 자신의 얼굴을 간단하게 보지 않았기 때문에위원회가 공유를 지불하지 않겠어 렘브란트를 준 아처의 길드의. * * * [정보]는 전체 사진의 단점을 찾고 자신의 초상화가 아름답다 미세하지 않기 때문에 길드 중 하나 작가를 기꺼이 것을 매우 마지막으로위원회가 있었다 "http://www.historyofholland .com / 렘브란트 - 및 - - nightwatch.html (2007).

렘브란트가 그린 후, "그는 천천히 공공 은혜의 떨어 졌다고 * * * [이 감소하는 이유 중 하나] 미술에 네덜란드 취향의 변화가되었습니다. 1640s 부유한 시민 동안, 아마도 showiness과 우아함을위한 욕망을 개발, 자신의 보안 하찮은 부드러운 성장. 렘브란트의 깊이가 부족하지만 훌륭한 예술가, - 그들은 유행 플랑드르 초상화 안토니 반 Dyck 등의 화가에 의해 시작했던 밝은 색상과 우아한 방식을 선호하기 시작했다. chiaroscuro의 렘브란트의 사용도 그들을 만족하고, 그들은 '어둠'과 같았다 예술가 멀리 설정되어 - 아마 더 있었는지 - 그들이, "http://www.rembrandtpainting.net보고 있었는지 몇 가지 생각을 바치다 것을 요구 / rembrandt's_night_watch. HTM (2007). 그것이 그림이 광범위한 청중에 노출 된 것은 현대적인 리소그래피의 발명까지되지 않았음을 말할 공정 것입니다.

밤에, 그때, 예술 Heideggerian 작업의 중요성 - 주신 속성을 없었습니다. 그것조차 자신의 사람들이 믿는, 현대 시대의 도래까지, 그것은 본질적으로 개인적으로 그것을 방문하지 사람에게 접근할되었습니다. 그것은 오직 진실과 사실 그것이 패러다임 - 정의 작품으로 인정 이후 미술 비평과 미술사입니다. 하이데거 들어,하지만 이것은 충분하지 않습니다. 오히려, 그의 세계 예술의 진정한 작품에 의해 정의되고 사람들은 그것 동시해야합니다. 그들이 믿지 못​​한다면 - 신이 성전을 떠날 때 -의 "마법"속성 기화. 하이데거는 예술 작품이 시간을 초월하는 가능성을 허용하지 않는, 또는 예술과 같은 자질은 시간에 자신을 매니 페스트 것을.

하사관 또 다른 예를 들어 살펴보겠습니다. 고추의 외로운 하트 클럽 밴드. 나는 1967 년 주변에 있었는데, 그 현상, 처음 손을 경험했다. "비틀즈가 의도하거나하지 여부, 하사관. 즉시 - - 야망과 갈망과 세대의 두려움을 페퍼는 상징 왔어요. * * * 취향과 스타일에 합의로 그 년 시작 무엇 - 그 중심에 비틀즈와 함께이 - 도전 세계관으로 변화했다. * * * 하나가 작동 아직 사회, 사상과 예술의 이러한 대담한 새로운 감각을 epitomized 없었다. 하사관까지이다 아무것도. 후추. * * * 경사. 그것은 시대 - 정의 및 형태 파열되었고, 고의 또는 아니라, 그것은 잡아서 시대의 분위기를 emboldened, 페퍼는 전에 아무것도로서 대중 문화에 신경을 누르십시오. * * * 경사. 페퍼는 20 세기 내에 잠재력을 나타내기 위해 개방되었다 순간의 한 부분 ... ", 길모어 74.

강한 환호, 확실하게. 그리고 그것은 항상 격렬하게 Heideggerianism 대한 더 inclinations를 보여줍없는 작가에서 ( "내 잠재력을 나타내기 위해 개방") 하이데거 타입 언어를 구별 즐겁게합니다. 그러나 사실 인즉은,이 기록을 받아들이려는 지역 사회도 "세계."전체 인구 "세계는"하지 않았거나 오히려 그렇게에서 "세대"라는 한 젊은 - 그룹의 하위 집합입니다. 대학 마을과 같은 장소, 예를 들면 - 또한이 하위 집합은 그들이 당시 있었 같은 대형 도시, 대중 미디어 센터 주변 지리적 지향했다. 따라서, 우리는 대단한 세계 정의도 문화 변화, 영향력되었고, 작품에 직면 - 그러나 특정 로케일에 특정 사람들을위한. 하이데거 따라서뿐만 아니라 시간을 기준으로뿐만 아니라 공간과 그룹 (또는 클래스, 또는 종류) 회원과 관련하여 탈골입니다.

전시, 언어의 나의 사본을 열고 생각의 페이지는 이제 하이데거는 예술 작품으로이 중 하나를 고려하지 않습니다 (다시 한번, 우리 계속 실망으로) 만 발견 그들의 구속력에서 분리.

이 딜레마에 대한 해결책은 달성하기 어렵지 않습니다. 하이데거는 다른 장소에있을 수 있습니다 작은 그룹을 수용할 수있는 "예술 작품"으로 계산 어떤 기준을 확장하고 다른 시간에 존재해야합니다. 이 제한되지 않습니다, 그리고 사실 구현, 하이데거의 목표에 : (A) '예술'과은 "진실"사이의 연결을 설명하는 방식 예술의 존재의 의미를 밝혀, 및 (b) 구분 예술 사이, 이런 점에서, 그리고 우리는 여전히 그들이 예술 "통화"수도 있지만, 작품의 다른 종류의, 진짜 '예술'제대로 이해가되지 않습니다.

이것은 차례로 예술 작품의되는 "ontic"계정이라 는게 어떤의 가능성을 허용합니다. 이것, 나는 전체 문화 반대로 예술 작품은 개인에 transformative 효과 또는 개인의 작은 공동체있을 것을 의미합니다. 그리고 개인이나 커뮤니티 않아도 원래 작품을 생산 세계 contemporaneously 위치합니다.

예술 작품의 III. 반복

대부분의 사람들은 내 말을 감히, 라인에, 질문없이 지금 책에 그것을 재현한보고하고, 밤에는 시계가 발생했습니다. 원칙에이 reproductions는 구경과 품질에 엄청난 차이가 있습니다. 인쇄 reproductions 예를 들어, 잉크의 종류 및 인쇄 프로세스의 다른 vagaries에 의해뿐만 아니라 사용하는 용지의 종류에 의해 영향을하지만, 수 있습니다. 구글 이미지에 신속하게 한눈에은 온라인 나잇 와치의 비트 밀도를 보여 reproductions은 진도의 몇몇 명령에 따라 다릅니다. Rijksmuseum에 매달려, 오직 그림 자체 예술 작품인가? 또는이 다른 반복, 또는 instantiations, 또는 그것 inculcations 할가 - 그들이있을 그러나 불완전한 - 아직도 Dasein 영감을하고, 그 세계를 정의할 수 있도록, 전원 또는 용량을 가지고?

이 문제는 우리가 하사관 고려할 때 더욱 급성됩니다. 후추. 문제입니다의 간단한 사실, 거기에 그림과 같은 "작품"아무 육체 "없다". 오히려, '작품'자체가 판매 및 배포 사본의 수백만 구성되어 있습니다.

사운드 녹음하였습니다있는 사람으로서, 물론 때로는 동시에 렌더링 밴드의 멤버 개인 및 단체 공연, 구성된, 다중 트랙 마스터 녹음있다는 것을 말해 줄 수, 가끔 비에 "overdubbed" - 실시간 처리합니다. 이 다중 트랙 마스터는 다음 두 트랙 스테레오 마스터로 혼합합니다. 이러한 기록, 카세트와 CD와 같은 음향 통신 기기 - - 중복 아르 그것의 사본은 다음 물리적 물품하는 (그리고 때로는 많은 세대에 대한 사본의 사본 등) 만들어집니다.

차례로 마스터 테이프는 잠재적으로 작품을 대폭 개정 (및 다른 지각)의 결과, 리믹스 또는 복원하실 수 있습니다. 예를 들어, 최근 비틀즈 remixes의 새로운 앨범받을 사랑을 구입했습니다. 트랙 중 하나는 경사의 리믹스입니다. 페퍼 조지 마틴 (비틀즈 '원래 프로듀서)와 그의 아들 자일스 마틴, 전문적하고 painstakingly 원본에서 재현. 노래, "생명의 날."

한번 듣고 나서, 바로 그것을 연속으로 몇 번이고 재생, 난 너무 그 순수 소닉 충격에 의해 기절했다. 나는 이렇게 제어할 없었다, 그건 어쩔 수없는 일이지만. 리믹스와 원본 사이의 차이는 와인을 비교하거나, 오디오 사전 증폭기 튜브의 미세한 포인트 (Brimar V. Amperex V. Mullard V. Telefunken)을 분석처럼, 인상주의의 수 있습니다. 내 인상은 "생명의 날"이 더 근육보다 내장입니다의 새로운 버전입니다. 오디오 기술의 관점에서, 이것은 소닉의 많은 정보를 제거 다른 (개선) 트랙 분리, 압축, 등화, 그리고 (솔직히)를 통해 성취되었습니다.

이전에 고정했던 노래의 구조 내에서 - 가장 흥미로운 현상은, 그래도 처음부터 차이를 만드는 것입니다. 어떤 버전은 노래 이상의 노래를 반복되는 "은"어떤 의미?

이런 종류의 Remixes에도 불구하고, 나는의 "원본"마스터 녹음이 하사관하는 인식론 확실성으로 말씀 드릴 수 있습니다. 페퍼는 앨범 녹음 런던에있는 수도원 도로 스튜디오, 영국에서 잠금 및 키 아래에 보관됩니다. 이건 개인적으로 '나 EMI 레코드와 임원 때 제가 거기 있었 원인 알아요. "듣고"이 사람은 오로지 그들을 작가 자신, 그리고 기술 인력의 극히 작은 간부 있습니다.

또한, 수행 결코 비틀즈의 하사관. "라이브"청중 앞에서 페퍼. [분명히 밴드 싸구려 과자지만 최근 너무 않았다. 뿐만 아니라 그들은 하사관의 트랙별로 트랙 연주를 수행 않았다. 후추, 그들은 심지어 최고의 사운드 기술자 (파워스 2007)와 같은 밴드의 전 엔지니어를 고용.]

이러한 의미에서 "Replicability은"copyrightable 작품의 구별 특성 것으로 판명 :

"저작권 보호에 작업 제목을 만드는 비용이 있지만 - 예를 들어,이 책을 보면, 영화, 노래, 발레, 판화,지도, 비즈니스 디렉토리, 또는 컴퓨터 소프트웨어 프로그램은 -, 작품을 복제하는 비용 종종 높은 의해 여부 그는이 가능하도록 만들었습니다 제출한 사람에 의해 창조자 또는 종종 낮다. 일단 복사본을 다른 사람에게 사용할 수 있습니다, 그것은 추가로 복사본을 만들기 위해 자주 이러한 사용자를위한 저렴합니다. 작품의 창조자에 의해 만들어진 복사본에서 가격이나 한계 비용 가까이에있다면, 다른 사람은 사본을 만들에서 낙심 수 있지만 작가의 총 매출은 작품을 만드는 비용을 충당하기 위해 충분하지 않을 수 있습니다. 저작권 보호 - 복사하고 다른 사람을 방지하기 위해 저작권 소유자의 권리 - 처음부터 작품을 만들 인센티브를 제공하는 혜택에 대한 작업에 대한 액세스를 제한하는 비용에서 거래를 '랜디스 & Posner 326.

이 모든 하이데거에 대한 몇 가지 중요한 질문을 떠납니다. 사람들이 하사관에 노출되기 위해 어떻게이 가능합니다. "작품"으로 후추, 아무도 (완결된)을 적 "인식하지"않은 경우는 "직접"? 하이데거 - 대다리,이 예술 작품으로 무언가를 적어도 암시 앞선 조건입니다. 예술 작품의 상징적인 영향력을 행사하는 것은 불가능하다 때문에 아무도 몰랐다면, 그것은 무엇 이었는지 알고있다. 그것이 하사관과 같은 기록이므로 이것은 나이트 와치의 reproductions에 관해서는 사실입니다. 영화와 TV 쇼의 후추, 그리고 DVD reproductions.

더 중요한 것은 작품의 복제의되고 - 자연은 무엇입니까? 하사관 경우. 고추가있다 "예술 작품"그것은 단지 자신의 문제와 같은 특성을 가진이 성장을 습득 무엇입니까? 아무도 예술 작품으로 기록 '자체를'특성없는 것입니다. 기능하고 포함하고있는 청각 정보를 투명하게, 그것이 사운드 재현 장치의 적절한 유형의 상호 작용에 따라 분배 것이다 - 오히려, 그것은 장비의 진정한 작품이다. 이 enticingly 밖 도달, 근본적으로 무형 유지 "자체가 작품". 거기에 우리의 "접근 수단"호기심 감쇠입니다.

이것은 더 명백한 라디오와 텔레비전, 또는 좀 더 현재, 스트리밍 인터넷 미디어의 현상을 고려시된다. 우리는 우리가 사운드 재현 장치를 모두 마친 제품과 멀리했을 세상을 상상하자. 즐기는 음악을 하나 듣고, 또는 성능을 감시하기 위하여, 모든 사람 aether을 통해 자동으로 나타납니다 일종의 휴대용 장치에 연결할 수있다 할 수있다. 말 그대로 어떤 "것"은 어딘가 서버에 임시 "마스터"시청각 기록을 제외하고, 참여하지 않습니다.

이러한 기술 발전은 하이데거에 대한 깊은 의미를했습니다. 그들은 '진실'그들 '이 것을. "하지 않기 때문에 그들이 없기 때문에 아무도"되고 ""존재 "그들이 어떤 가질 수없는 그녀석들 수있다, 또는 구성, 심지어 위해 서" 예술의 "작동합니다. 특별한 이유가 없다하지만, 왜 우리는 그렇게 심각하게 미술의 (잠재적) 작품의 ontological 영역을 제한해야합니다. 나는 그를 예 : "공연"와 (서로, dubiously지만 더) 자신의 철학으로 "경험"으로 현상을 인정 필요하지만, 하이데거이 딜레마의 한 방법이라고 생각합니다. 하이데거가 덜 신경 쓸 거지만 그것이 지불과 같은 문제에 관해서 특히, 음악 작품의 "기계"를 사용 (즉, 물리적인 사운드 캐리어 장치로서의되는), 그리고 작업의 구분 "성능"매우 중요하다 작품의 창조자 수 있습니다. 후자는 무형이기 때문에, 그들은 분명 "일이."없습니다 그럼에도 불구하고, 그들이, "진실을"의 참여하거나,에 참여할 수 있습니다 - '. 예술 작품 "단지처럼

IV가. 내게 그 기타를 줘

내가 생각하고 싶은 마지막 문제는 창조와 같은 악기로 구현 (음악가를위한), 브러시와 팔레트 (화가의 경우), 또는 신체 (배우, 댄서, 또는 포르노의되고 - 자연입니다 별표). 이들은 유일한 Heideggerian은 "장비"카테고리 -의 -되고있는 그들이 달리 소속 수도로 단지보다 더 있습니다. 연기자 / 작가 그들이 목수가 하이데거 (1962) 98, 망치를 사용하거나 플레이어가 테니스 라켓을 가졌하는 방식으로 상당히 ...와 비슷하지 않은 방식으로 창의적인 작품을 만들어 배포하기 때문에 그들이 다른 이유는은, 드레이 퓨 스 (1998).

음악가로서 (기타 및 모듈식 신디사이저에 합리적으로 숙달), 또한로서의 필요한 목수 (OK 틱)과 테니스 선수 (별로 좋진)로, 난 악기를 연주의 현상 학적 경험이 있는지 명쾌하게 보고할 수 있습니다 완전히 못을 망치, 또는 테니스 라켓을 휘두르는보다 다른. 하이데거와 드레이 퓨 스는 후자 정도 완벽하게 맞아, 나는 각각의 계정에 추가할 수 없어요.

그러나, 전자, 꽤 ...와 비슷하지 않은한다는 점에서 그것은 도구의 활용에 대한 창의적인 구성 요소를 추가합니다. 모차르트 예를 들어 피아노 소나타를 연주하는 경우 - 또는 에릭 클랩튼이 기타 솔로 improvises 때 - 단순히 "을 오래된 메모는"할 것입니다. 망치의 오래된 스윙이 충분합니다, 반면에 너무 오래 그것은 정확하고 무력으로 못을 안타로하고, 테니스 라켓의 오래된 스윙은 법원에 영역에 원하는 효과 볼을를 반환 그렇게 오래으로 충분합니다 .

예, 더 나은 당신이 악기를 연주에 있으며, 더 투명이됩니다. 예를 들어, 적은 메모를보고 싶어요. 그러나, 이것은 창조, 예술적 의도의 표현 수단으로 그 능력과 장비의 기능을 통합 악기를 연주의 기본적으로 창조적인 경험 계정을하지 않습니다.

이거 정말 이유를 확인하는 한 가지 방법은 반대 pertained 경우 사실에 어떻게 생각하는 것입니다. 예술의 모든 작품이 알 수있는 감각이있다 - 굉장하게 자신의 일을 존 케이지에 의해 만들어진 전망대 가까이에 같은 이름 (케이지 1959). 때문에 원칙적으로, 그것이 특정 기술 requisites을 충족으로, 오래된 메모 할 것입니다, 또는 오래된 브러시 스트로크를 할 것입니다, 즉 확실 해요, 뇌졸중 부드러운 그것이 정확하게 부르는 노래 또는 적용됩니다 - 혹은하지, 그 경우 효과를 원하는.

그것이 있었 다 있었다면, 모짜르트 피아노 소나타, 그리고 맥코이 Tyner 말씀에 의해 해방 단음 노트의 일제 사격을 가하다 사이에 차이 없을 거라고하지만 이건 관찰은 마크 짧은 폭포. 그런 명확 경우가 아니라, 반면 모두 그냥 메모 랜덤 assemblages 것입니다. 뿐만 아니라 거기에 다른 노트 있지만, 각각의 플레이어는 또한 다른 성능 기술을 배포하고, 리스너에서 다른 미적 반응을 끝.

브러쉬와 팔레트, 렘브란트에 대해, 단지 도구보다 훨씬 더했다. 비틀즈에 대한 그들의 악기. 나잇 와치 단지 도구보다 훨씬 더되었고 경사. 고추는 어떻게든 그냥 우연히 "발생."아니 오히려, 그들은 장비를 창의 결과를 달성하기 위해 전개되었다하는 과정 중에, 강렬한 크리에이 티브 농도를 필요합니다.

직장에서이 동적 참조하는 또 다른 방법은 음악적 영감을 고려하는 것입니다 예를 들어, John Coltrane, 또는 에릭 클랩튼으로 기타 솔로에 의해 색소폰 솔로. 저는 씨가 클랩튼이 / 1968 년, 멤버였다되는의 록 밴드 크림을 보았다. 내가 그들의 최근 다소 약식 "재회"투어를 보지 못했다지만, 나는 DVD를 시청하고, 동일의 CD에 들어 있습니다. 난 아무것도 경우 밴드가 이제까지 그 (원본) 한창보다, 훨씬 더 상봉,했습니다보고 기쁘게 생각합니다. 바위 말투에서 "riffs,"- - 더 중요한 것은, 동안 물론 그가 필요한 음악적 주제를 연주 주위에 그의 improvisations이 완전히 독특하고 원래되었습니다.

제가 필요의 장소에있어 때까지 의심 Heideggerian을 울리고, 선생님 클랩튼이 밝힌 바, "내가 어떤 음악도 없습니다. 어느 "Fricke 52 내가 이런 일을하는 이유 중 하나입니다. "그것이 필요로 장소는"Heideggerian 세계보다 더 많거나 적은 아무것도 없다. 이들 예술가들은 단지 무작위로 메모를 재생되지 않습니다. 오히려, 그들은 창조적인 끝 부분 기술의 정교한 세트를 배포 및 장비과는 완전히 다른 방식으로 자신의 악기를 사용하고 있습니다.

무용 - 발레, 재즈, 힙합 - 동일 purposefulness 윤회라고할까요 ...^^;)대로 특히 무대에서 연기 않습니다. 가, 순발력과 마찬가지로 움직임의 자유는 엄격하게 스크립트에 무도 법의 점수, 또는 무대 지시에 의해 제약되지 않습니다. 다른 inflections과 뉘앙스 수십, 장면을 재생하는 여러 가지 방법이있다하더라도 특히 하나 얻습니다. 지시의 기술의 일부는 최고 (소요 경쟁 중 선택, 영화의 경우, 추가) 장면에서 인물의 필수적 본질 (문자의되는 자연)을 캡처 성능을 제공하기 위해 배우를 유도하는 것입니다.

그리고 포르노 배우의 성능이 있습니다 - 카메라에 섹스를 - 어디에 시체가 그대로 외부 translative 장치 (기타, 페인트 - 붓, 등)의 개입없이, 예술 매체 자체 - 아, 결코 - 경우를 제외하고 마음.

그것은 찡그린, 포스트 아이러니 관찰과 가까이에 이런 에세이에서 정의되기 때문에, 필자의 경우는 다음을 제공합니다. 그가 예외적으로 창조적인 아이디어를 표현하는 수단 - 방법 하이데거 자신 도서의 물건 -함을 관해서는 거죠? 도서 단어를 구성. 그런데 왜 하이데거는 다른 단어에 반대하는, 그가 한 특정 단어를 선택 했지? 물론, 자신의 관용, 특이한 스타일로, 그가 표현하고 싶은 아이디어를 표현합니다.

하지만, 이것은 전체 지점입니다 -이 책은 그 안에 쓰여진 단어 단순히 컨테이너 이상입니다. 단어 이상의 단지 ". 장비"입니다 오히려,이 책은 아이디어와 의도의 저장소입니다 - 그 말은하고 작업의 저자에 의해 전달. 렘브란트는 브러쉬와 색상을 자기가 사용하기 원하는 어떤 알았어요. 클랩튼은 게임 노트 안다. 하이데거를 사용하고, 자주, 그가 할 수있는 최선 단어를했다.

참조

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케이지, J., Indeterminacy : 경음악 전자 음악 (1959)에서 양식의 새로운 가로.

드레이 퓨 스를, H., "정신 표현 Merleau - Ponty의 비판 : 과학적으로 설명하는 현상론의 관련성 - 대표없는 인텔리 전스,"http://www.class.uh.edu/cogsci/dreyfus.html (1998).

Fricke, D., "클랩튼의 기타 정상 회담,"롤링 스톤 ​​(2007년 8월 23일).

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